Джон Сингер Сарджент. Великолепная акварель и живопись

Картина «Мадам Готро предлагает тост», Джон Сингер Сарджент, 1883 год

Джон Сингер Сарджент (John Singer Sargent, 12 января 1856, Флоренция — 15 апреля 1925, Лондон) — американский художник, двоюродный брат известного ботаника Чарльза Сарджента, один из наиболее успешных живописцев прекрасной эпохи, пишет Википедия.

Джон Сингер Сарджент. Великолепная акварель и живопись

Вид из окна в Генуе, 1911 год

На веранде, остров Мэн

Чтение на горном перевале Симплон, Швейцария, 1911

Перевал Симплон. Зеленый зонтик, 1911

Мисс Генриетта Ройбель

Мисс Эден

Две женщины спят в лодке под ивами

Rio dell Angelo (Река ангела)

Купальщики, 1917 год

Насмешка. Перевал Симплон, 1911

Фонтан в Вилла-де-Марлия, 1910 год

Лодка в воде возле берега острова Капри

Остров Корфу, 1909

Кашемировая шаль, 1910

Маргарет Хайд, 19-я герцогиня Суффолкская, 1898

Дороти Барнард, 1885

Мисс Уэджвуд и мисс Сарджент, 908 год

Испанский фонтан, прим. 1902 год

Миссис Джозеф Э. Уайднер

Мраморный фонтан в Аранхуэс Испании

Миссис Гарднер в белом, 1922 год

Миссис Сесил Уэйд, 1883

На палубе яхты «Constellation», 1922 год

Терраса на острове Корфу, 1909 год

Фонтан «Ваза», Покантико

Портрет Мэри Кроуниншилд Эндикотт Чемберлейн, 1902

Спящий фиолетовый

Пальмы во Флориде, 1917

Герцогиня Лаура Спинола Нуньес дель Кастильо

Миссис Чарльз Э. Инчез

Мисс Матильда Таунсенд

Портрет миссис Леопольд Хирш

На реке (Женщина на берегу), 1885 год

Барышни семьи Вискер, 1884

Две женщины спят в лодке под ивами, 1987 год

Компания с зонтиками (Сиеста), 1905 год

Миссис Ральф Кертис

Розовое платье, 1912

Женщина читает в кашемировой шали, 1909

В саду Корфу, 1909

Лоджия на вилле Торре-Галли

Эна и Бетти, дочь Эшер и миссис Уэртеймер

Утренняя прогулка

Миссис Фиске Уоррен и ее дочь Рейчел

Ступени церкви святых Доминика и Сикста в Риме

Плоды горлянки, 1908

Завтрак на лоджии

Садовая стена

Уинифред, герцогиня Портлендская, 1902

Винные бокалы, 1874

У реки, 1888

Незаконченная работа «Мадам Готро»

Пейзаж с розами

Пристань Сан-Джузеппе-де-Кастильо, Венеция, 1903—1904

Вилла Марлия-Лукка

Девушка на рыбалке

Номер отеля, 1906

Канделябр (Женщина с подсвечником, Женщина с сигаретой)

Маркиза Керзона из Кедлстоуна, 1925

Джейн де Глен в гондоле

Мод Глен Коутс, герцогиня Веллингтонская, 1905

Девушка на природе

Старый стул

Дама с зонтом

Леди Агню Лохноу

Спящая обнаженная пара

Турчанка у ручья, 1907

Гранада, 1912

Отражение, 1908—1910

Горный ручей, 1904—1907

Бурлящий поток, 1904

Мужчина смотрит на ручей Даоста-Пертьюд, 1907

Фигура у пруда, 1917

Сады Боболи, 1906

Пейзаж возле Флоренции, 1907

Герб со щитом Чарльза V, 1912

Распятие в Тироле, 1911

Рио-дей-мендиканти (Божественная река), 1903

Венеция, 1911

Регата у дворца Барборо

Венецианский Большой канал, 1907

Канал в Венеции, 1903

Под мостом Риальто, 1909

На канале, 1903

Венецианский Малый канал, около 1904

Лодка с дынями, около 1905

Зарисовка: остров Джудекка, 1904

Лодки в Венеции, 1903

Дворец Гримани, 1907

Дворец доджей, 1907

Основание дворца, 1904

Таррагона, Испания, 1908

В средиземноморском порту, 1905—1906

Белые корабли, 1908

Кафе на Рива-дельи-Скьяволи, 1880—1882

Мост Риальто, Венеция, 1907—1911

Испанский фонтан, 1912

Корфу, свет и тени, 1909

Кладбище в Тироле, 1914

Персей ночью, 1907

Скульптура Персея, Флоренция, 1907

Портрет Мэри Хартрис, 1893—1894

Леди Хелен Винсент, виконтесса д’Абернон, 1904

Дамы Александра, Мария и Тео Ачесон, 1902

Портрет Полин Астор, 1898—1899

Графиня Роксэвейдж, 1913

Графиня Роксэвейдж, 1922

Графиня Летхом, 1904

Сильвия Харрисон, 1913

Графиня София Илларионовна Демидова, 1896

Миссис Уинстон Пиппс (Джесси Перси Батлер Дункан), 1884

Миссис Уильям Рассел Кук, 1895

Миссис Уильям Плейфеир, 1887

Миссис Джошуа Монтгомери Сеарс, 1899

Миссис Филип Лесли Агню, 1902

Миссис Луис Рафаэль, 1906

Миссис Иэн Гамильтон (Джин Муар), 1896

Миссис Гамильтон Маккоун Туомбли (Флоренс Адель Вандербильт), 1890

Миссис Джордж Суинтон, 1897

Леди Маргарет Спайсер, 1906

Леди Мэйси-Томпсон, 1901

Айзми Викерс, 1907

«Жить с акварелями Сарджента все равно, что жить с солнечным светом, пойманным и удерживаемым». — Я не мог оценить это заявление, сделанное Эваном Чартерисом, другом и биографом Сарджента, до тех пор, пока не увидел несколько из них своими глазами. Я договорился с Музеем Изобразительных искусств в Бостоне, чтобы посмотреть 10 акварелей Сарджента. Когда я вошел в комнату, где они висели, я был просто опрокинут. Они были так свежи и полны света; они выглядели так, будто были написаны вчера, а не 90 лет назад. Я все еще удивляюсь способности Сарджента писать иллюзию реальности, в то время как заключительный результат выглядит как живопись.

Сарджент родился в 1856 г. у американских родителей во Флоренции, Италия. И хотя он всегда считал себя американцем, он прожил в Европе почти всю свою жизнь, приезжая в Америку лишь чтобы навестить семью и друзей. Он вырос, говоря на четырех языках, был очень начитан, прекрасно играл на фортепиано и приобрел страсть к искусству и архитектуре.

В 1874, в 18 лет, он был принят в ателье Каролюса-Дюрана, прогрессивного портретиста в Париже. Каролюс-Дюран обучал в живописи подходу аля-прима, основанного на внимательном изучении тональных градаций. В то же время Сарджент поступил в Эколь де Бьё-Артс для изучения рисунка.

Сарджент быстро стал лучшим учеником в ателье, заслужив признание и даже получая награды в ежегодном Салоне в Париже. Такие достижения были неслыханны для столь молодого человека. Через три с половиной года Сарджент открыл свою собственную студию в Париже с целью развития карьеры портретиста.

Первые годы Сарджента в Париже были многообещающими. Портреты, выставляемые на ежегодных Салонах получали хвалебные отзывы критиков, что помогало ему получить репутацию молодого, талантливого современного художника. В Париже Сарджент писал портреты, заказываемые американскими и французскими клиентами, а также несколько было заказано из Англии. В тот период, он заботился о том, чтобы не ограничиваться портретами, выставляя в Салоне жанровую живопись и независимые работы по искусству.

В 1883 г. Сарджента попросили написать портрет М. Пьер Гутро (Мадам Х), жены богатого парижского банкира. Она была, что называется, «профессиональной красавицей», и он надеялся, что портрет привлечет внимание в Салоне и принесет какие-нибудь заказы. Но эффект был прямо противоположным, когда он был показан в Салоне 1884 года. Шоком было всё – и цвет, и низкий вырез платья, и надменная поза вызвали скандал.

В 1996 г. без перспектив сделать карьеру в Париже, Сарджент закрывает свою студию и переезжает в Лондон. Вскоре он занимает студию на Тайт Стрит, в которой остается до своей смерти в 1925. До него студию занимал Дж. МасНейл Уистлер.

В Англии, столкнувшись с недостатком заказов портретов, Сарджент обратился к пейзажам и жанровой живописи. Он провел летние периоды с 1885 до 1889 в компании английских и американских художников на пленере в окрестностях деревни Бродвей. Этот период Сарджента был назван импрессионистическим. Сарджент очень хорошо познакомился с импрессионистами пока жил в Париже. Он подружился с Моне и даже иногда писал с ним на пленере.

Самым большим влиянием импрессионизма для Сарджента был цвет. Он экспериментировал с более яркой, незамутненной палитрой и развил особый интерес к влиянию света на цвет, и особенно как различные поверхности отражают и поглощают свет.

Его интерес к цвету на свету, в тени и в отражении будет важнейшим в его акварелях. Иногда попытка поймать особый оптический эффект будет единственной причиной для живописной работы.

C 1887 г. До конца столетия Сарджент утвердил свою репутацию портретиста сначала в Соединенных Штатах, а затем в Англии. Он стал наиболее востребованным портретистом среди аристократии и теми, кто хотел таковыми казаться на обоих сторонах Атлантики. Иметь портрет кисти Сарджента означало «состояться». К 1900 г. Сарджент становится очень благополучным и заваленным заказами портретов.

С начала 1890-х Сарджент также оказывается глубоко вовлечен в серию монументальных росписей для общественных зданий Бостона, на что он направил большую часть своих сил и энергии в оставшиеся годы.

Хотя он вырос, делая наброски акварелью, Сарджент не уделял профессионального внимания этому пока он не вступил в свой пятый десяток. Путешествия и его желание писать на открытом воздухе особенно повлияли на использование этого материала. В 1900 г. Сарджент стал устраивать себе длинные летние каникулы, которые длились до 3х-4х месяцев. Это было продиктовано его желанием избежать напряжения, которое вызывала постоянная работа над портретами. В свои каникулы он писал и маслом и акварелью. Скоро он полностью перешел на акварель, как материал, наиболее мобильный и способный передать эффекты света, что более всего интересовало Сарджента. Он путешествовал обычно в окружении членов семьи и друзей, многие из которых были художниками.

Сарджент обычно удалялся в места, где он мог предаться живописи на пленере. Он предпочитал места, где он бывал в детстве: Альпы, озера в Италии, Венеция и Испания. Многие годы Сарджент писал одни и те же объекты снова и снова: хребты и стремнины Альпов, сады с классическими скульптурами, его спутников, иногда в экзотических костюмах, фрагменты архитектуры, корабли, обычно с уровня воды, и, конечно, Венеция, часто изображаемая с гондолы.

Ричард Ормонд, историк искусств, ученик и племянник Сарджента, писал: «Он не писал не потому, что уезжал заграницу, он уезжал заграницу, чтобы писать». Искусствоведы соглашаются, что виртуозные зарисовки акварелью, которые Сарджент сделал после 1900 г. занимают видное место среди его шедевров и создают ему репутацию одного из величайших американских акварелистов.

После смерти Сарджента быстро забыли. Мир модернизма оставил его за бортом. Несколько десятилетий он был отстранен как просто светский художник, поскольку мир искусства принимал с распростертыми объятиями кубизм, сюрреализм, экспрессионизм и абстракционизм.

Такое отношение начало меняться с середины 1950-х, когда работы Сарджента стали снова появляться на выставках, и новые художники обнаружили сложность его личности и искусства. Его акварели получали постоянно растущее внимание и хвалу новых художников и искусствоведов за их виртуозность и совокупность качеств.

Сарджент был законченный наблюдатель. Он мог моментально выразить свои чувства в акварели без деталей. Это давало ему средства к утончению и упрощению своего художественного словаря.

Он говорил своим студентам в Королевской Академии художеств: «Развивайте никогда не прерывающийся поток наблюдения… умение отбора придет следом… превыше всего, находясь заграницей, смотрите на солнечный свет и на все, что видите вокруг…»

В дополнение к своей монументальной живописи, он написал почти 600 официальных портретов маслом и более 1500 пейзажей и жанровых картин маслом и акварелью. Эпитафия на его надгробном камне гласит: «Работать – значит молиться». Тем из нас, кто и сейчас вдохновляется акварелями Сарджента относится заявление: «…жить с акварелями Сарджента все равно что жить с солнечным светом, схваченным и удерживаемым». Это актуально и сегодня.

Текст: Джим Салчак

Топ-10: Мрачные факты о великих произведениях искусства

Статуя Свободы, Пизанская башня, Эйфелева башня, картина Мунка (Munch) «Крик», а также египетский Сфинкс являются известными произведениями искусства. Тем не менее, существует немало интригующих фактов об этих великих творениях, которые ускользнули от взора популярной культуры. Независимо от того, являются ли они вещами, исчезнувшими многие годы назад, или же фактами, которые оставались незамеченными, находясь у всех на виду, существует множество интересных аспектов великих произведений искусства, о которых мы никогда не слышали.

Секретная комната Эйфелевой башни

На самом верху Эйфелевой башни находится секретная квартира. Эта квартира принадлежала Гюставу Эйфелю (Gustave Eiffel), инженеру, который создал эту башню. В 1890 году, через год после открытия башни, французский писатель Анри Жирар (Henri Girard), сказал о том, что Гюстав Эйфель был «объектом всеобщей зависти» среди жителей Парижа.

По словам Жирара, эта зависть была вызвана не славой, которую Густав приобрёл, будучи создателем башни, и не состоянием, которое она ему принесла. Зависть была вызвана квартирой на вершине Эйфелевой башни, которая ему принадлежала. Эта квартира, к которой имел доступ лишь Эйфель, была тем местом, где останавливались многие важные гости Парижа. Самым знаменитым из них был Томас Эдисон (Thomas Edison). По слухам, Эйфель получил несколько заманчивых в финансовом плане предложений от людей, желавших провести ночь в этой квартире.

Эта квартира, которая в течение многих лет оставалась закрытой, недавно была открыта для публики. На сегодняшний день в ней находятся манекены Эйфеля и Эдисона. Восковые фигуры, которые очень похожи на свои реальные модели, изображают сцену, где Эйфель и его дочь Клэр встречают Эдисона. На Эйфелевой башне также написаны имена 72 учёных и инженеров, которые участвовали в её создании.

Вдохновение для создания картины «Крик»

Картина «Крик» кисти Эдварда Мунка является одной из самых легендарных картин 20-ого века, причём настолько популярной, что её много раз крали при помощи сложных схем.

По словам Мунка, на написание картины «Крик» его вдохновил тот день, когда он гуляя с друзьями увидел «что небо стало красным как кровь», а затем почувствовал невероятную усталость и услышал «великий и бесконечный крик природы». В течение многих лет считалось, что вдохновение Мунка было выдуманным, однако недавно было обнаружено, что в тот день небо на самом деле было красным в результате извержения вулкана Кракатау (Krakatoa) в Индонезии.

Последствия извержения вулкана ощущались даже в Нью-Йорке, где по сообщениям небо приняло малиновый оттенок. Этот же эффект наблюдался два дня спустя в городе Мунки, а местная газета осветила это событие написав, что «люди думали, что это был пожар, но на самом деле это было красное преломление света в туманной атмосфере после захода солнца».

В то время как сам ужасающий крик на картине был вымышлен, небо, скорее всего, действительно было красным.

Неизвестный архитектор Пизанской башни

Пизанская башня, также известная как «Torre Pendente di Pisa», одновременно является памятником архитектуры и загадкой. В то время как причина образования её знаменитого наклона хорошо известна (у неё слабое основание), никто не знает кто является её создателем.

Изначально башня была создана как отдельно стоящая колокольня для Пизанского собора. Такие башни были широко распространены в 10-ом веке в Италии, так как считалось, что они символизируют богатство и мощь города. Однако Пизанская башня была построена, чтобы привлечь людей в Пизанский собор.

Главной причиной того, почему никто не знает, кто создал башню, является тот факт, что её постройка заняла 200 лет. Ранее историки думали, что создателем башни являлся Бонанно Пизано (Bonanno Pisano), однако сейчас это оспаривается. На данный момент считается, что архитектором башни, скорее всего, был человек по имени Диотисалви (Diotisalvi) так как он был создателем баптистерия и колокольни Святого Николая (San Nicola Bell Tower).

Цепь в ногах статуи Свободы

В 2011 году бывшего губернатора штата Аляска, Сару Пэйлин (Sarah Palin) спросили о том, что символизирует статуя Свободы. Она сказала: «Для всех американцев это, конечно же, символ, напоминающий нам о других странах, потому что она, конечно же, была подарена нам французами – другие страны предупреждают нас не совершать ошибки, которые допустили некоторые из них». К сожалению, Сара Пэйлин абсолютно не права, так как то, что она сказала, является полной противоположностью того, что представляет собой статуя Свободы. Кстати говоря, так же, как и Сара Пэйлин, многие люди не знают о связи статуи с рабством.

Эдуар де Лабулэ (Edouard de Laboulaye), знаменитый французский политик и сторонник отмены рабства, является человеком, стоящим за созданием статуи Свободы. Он был горячим сторонником президента Линкольна, боровшегося за упразднение рабства. Статуя была подарена США не для того, чтобы предупредить об ошибках, как заявила Пэйлин. Она была подарена для почтения и празднования свободы, демократии и упразднения всех видов рабства. Именно поэтому в ногах статуи Свободы находится разбитая цепь. Эта цепь обычно остаётся невидимой для туристов, так как она находится под одеянием статуи, сбоку от её левой ноги, и видна только если смотреть на статую сверху.

Пропавшая борода Сфинкса

Лишь немногие люди знакомы с историей о том, почему у Сфинкса отсутствует борода.

Изначально Сфинкс не был построен с бородой, она была приделана спустя многие годы после завершения строительства. Возможно, она была добавлена для того, чтобы Сфинкс стал похож на Хоремакхета (Horemakhet), одного из Египетских богов. Вполне возможно, что борода также должна была уподобить Сфинкса египетским фараонам, которые часто носили искусственные бороды в качестве символа власти и своей связи с богом Осирисом (Osiris).

Одна тридцатая бороды на данный момент находится в Британском музее (British museum). Она была подарена музею итальянским египтологом Джованни Кавиглия (Giovanni Caviglia), который выкопал части Сфинкса в 1817 году, когда Сфинкс был почти полностью покрыт песком. Несколько других частей бороды Сфинкса были обнаружены в 1925 и 1926 годах, когда песок был снова счищен.

Скрытая музыка да Винчи

В 2007 году Джованни Мария Пала (Giovanni Maria Pala), итальянский специалист по вычислительной технике и музыкант, заявил, что он обнаружил музыкальные ноты в знаменитой картине кисти да Винчи под названием «Тайная вечеря» (Last Supper). По словам Пала, если нарисовать пять линий нотного стана вдоль всей картины, руки Иисуса Христа, руки его апостолов и буханки хлеба на столе изображают музыкальные ноты, которые можно понять, читая справа налево.

Да Винчи был известен своей любовью к музыке и включал музыкальные загадки в свои записи, которые нужно было читать справа налево. Алессандро Веззоси (Alessandro Vezzosi), директор музея в Тоскане (Tuscany), посвящённого да Винчи, счёл, что предположение Пала является «вероятным». Веззоси также сказал, что да Винчи играл на лире и сделал наброски нескольких других музыкальных инструментов.

«Всегда существует риск увидеть то, чего нет, однако интервалы (в картине) поделены гармонично”, — сказал он. «Там, где есть гармоничные пропорции, всегда можно найти музыку».

Проблема с покраской моста Золотые Ворота

Мост Золотые Ворота (Golden Gate Bridge) является держателем рекорда как наиболее часто фотографируемый мост в мире. Интересно то, что военно-морской флот США был против постройки моста, так как они боялись, что в случае бомбардировки моста и его обрушения, их корабли останутся в ловушке в заливе Сан-Франциско. Позже военно-морской флот дал свой согласие на строительство моста. Тем не менее, им не понравился цвет, в который собирались окрасить мост. Наряду с армией США, военно-морской флот хотел, чтобы мост был выкрашен в чёрный цвет с жёлтыми полосками для того, чтобы его можно было заметить в тумане.

Тем не менее, у архитектора моста, Ирвинга Морроу (Irving Morrow), был другой план. Когда сталь для моста прибыла в Сан-Франциско, она уже была покрыта первым слоем краски, для подготовки стали к последующему нанесению краски. На тот момент большинство мостов красили в серый, коричневый и чёрный цвет. Однако Морроу выкрасил мост в «международный оранжевый» цвет, похожий на цвет основы под краску. Этот цвет не только хорошо виден при тумане, он также замечательно дополняет и контрастирует с голубым небом и водами залива.

Скандал с картиной «Портрет мадам Икс»

«Портрет мадам Икс» это знаменитая картина молодого американского иммигранта и знаменитости по имени Джон Сингер Сарджент (John Singer Sargent). На картине изображена Виржини Авегно Готро (Virginie Avegno Gautreau). Сарджент надеялся, что «Портрет мадам Икс» поможет ему приобрести хорошую репутацию. Портрет действительно помог ему обрести славу, но дурную славу из-за его предполагаемой непристойности.

После того, как портрет был выставлен на всеобщее обозрение в Парижском салоне, он подвергся резкой критике и насмешкам. Главной причиной суровой критики стала правая бретелька платья. В первом варианте картины правая бретелька спущена с плеча модели, открывая взору чуть больше тела модели, чем был положено. Разразившийся скандал был раздут до гигантских размеров, и Сардженту пришлось переехать в Великобританию.

Семья Готро стыдилась скандала и умоляла Сарджента убрать картину. В попытке умиротворить критиков и публику, Сарджент перерисовал бретельку в то, что можно увидеть на портрете сегодня.

Временная капсула горы Рашмор

В то время как многие знают о том, что гора Рашмор (Mount Rushmore) является незаконченным произведением, лишь немногим известно о временной капсуле. Во время постройки Рашмора её главный архитектор Гудзон Борглум (Gutzon Borglum) хотел создать огромный зал, где должны были содержаться все важные документы в истории Америки. Он считал, что размещение важных документов и грамот, таких как Декларация Независимости и Конституция, сделает и без того потрясающий памятник более значительным. К сожалению, его планы сорвались из-за нехватки денег и места, которые так и не были найдены к моменту его смерти в 1941 году, из-за чего произведение осталось неоконченным.

В 1998 году Конституция, выгравированная на 16 панелях из керамической эмали, содержащая текст из Декларации Независимости, Билля о правах, а также мемуары Борглума и истории о президентах были встроены в гору. Они были помещены в титановый сейф и запечатаны в незаконченном зале. Эти документы должны оставаться запечатанными и нетронутыми в течение тысяч лет.

«Страшный суд» Микеланджело

Незадолго до своей смерти Папа Римский Климент VII (Clement VII) заказал у Микеланджело написание картины «Страшный суд» на стенах Сикстинской капеллы. Картина должна была представлять собой последний день, также известный как Судный День, когда Иисус Христос возвращается в мир. Тем не менее, произведение искусства вызвало немалую полемику, после того как Микеланджело нарисовал нескольких персонажей нагими, с открытыми взору интимными местами. Среди этих персонажей были Иисус Христос и его мать Мария.

Это страшно не понравилось кардиналу, который начал «Кампанию фигового листка» (Fig Leaf Campaign), целью которой являлось либо полное удаление картины, либо её прохождение через строгую цензуру. Папский обер-церемониймейстер, Бьяджо да Чезена (Biagio da Cesena) также присоединился к этой кампании, призывая подвергнуть цензуре или полностью убрать картину, которая, по его словам, лучше подходила для общественной бани или бара, а не церкви. Это вызвало гнев Микеланджело, который использовал лицо Чезена для изображения лица Миноса (Minos) – бога подземного мира. Он также добавил ему ослиные уши, чтобы показать «глупость» Чезена.

Обнажённые изображения оставались в церкви до 1564 года, когда Тридентский собор (Council of Trent) решил, что они должны быть прикрыты листьями фигового дерева или драпированной тканью. Во время работ по реставрации в 1993 году приблизительно половина листков и тканей, закрывавших интимные места персонажей, была убрана. Благодаря этому было открыто, что Микеланджело на самом деле написал Миноса со змеёй, обвившейся вокруг его талии, которая вцепилась ему в пах.

Источник: bugaga.ru